En nuestra última reunión de los miembros fundadores de
Calle 35, Domingo Venero me estuvo enseñando unas fantásticas fotografías que ha incorporado en su recién inagurada web. Estas imágenes tienen como común denominador el hecho de que aparece el mismo
Mingo en ellas, ya sea a través de reflejos, sombras, etc…
Hay que reconocer que esto no es algo novedoso, desde la aparición de la fotografía la gran mayoría de fotógrafos han incorporado este registro en su repertorio, del que me parece que pocos fotógrafos se salvan – me incluyo.
Lee Friedlander publicó en 1970 un libro llamado Self-portrait y cuyo eje discursivo fue exactamente este, en todas las fotografías aparece por activa y por pasiva el mismo Friedlander.
En el prólogo del libro Friendlander comenta que este fue un proyecto que se le fue apareciendo y que empezó inicialmente como retratos directos.
Para ir derivando en retratos en los que aparece a través de sombras, reflejos, etc… y hace un análisis de como cambia una fotografía en las que el mismo fotografo aparece casi como un intruso alterando el discurso de la imagen.
Como homenaje al amigo Friedlander, subo este autoretrato realizado hace 2 días.
American Color es un proyecto realizado por Constantine Manos, fotógrafo de Magnum, dividido en dos libros publicados respectivamente en 1995 y 2010.
Sus premisas son bastante sencillas, se trata de fotografías realizadas en los Estados Unidos que muestren el universo de la sociedad norteamericana, no pretende explicarla sino que más bien se nutre de su realidad.
El mundo de la fotografía y de los fotógrafos es radicalmente subjetivo, al menos las fotografías de los fotógrafos más reconocidos lo son.
Eso de la objetividad en fotografía es una quimera, sólo con encuadrar ya estás opinando, estas eligiendo que es lo que te interesa y lo que no. Los buenos fotógrafos además de saber encuadrar deben saber que es lo que les mueve cuando salen a la calle, saber que es lo que están dispuestos a fotografiar hasta la obsesión mas enfermiza, no hay otro modo.
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| ©Costa Manos |
Este es el caso de Constantine Manos en American Color, durante más de 20 años ha estado buscando y encontrando las fotografías que se ajustaban a su proyecto… y menudo proyecto.
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| ©Costa Manos |
Sus fotos pertenecen a ese tipo de imágenes que a uno le gustaría hacer, una nueva fuente de inspiración y de aprendizaje.
Si analizamos sus imágenes, una de sus constantes más representativas es no enseñarlo todo, Manos prefiere sugerir.
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| ©Costa Manos |
Siempre hay una silueta misteriosa, una mano, una sombra o una situación no explicada totalmente que nutre de misterio sus imágenes. En el fondo no importa lo que hacen sus protagonistas, sino lo realmente importante es que el espectador se pregunte que diantres están haciendo.
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| ©Costa Manos |
Por otro lado -y lo más importante- el uso del color en sus fotografías es excelso, rozando lo sublime. Los parques de atracciones, las zonas playeras de la costa este y de la costa oeste son los lugares que ha utilizado Manos para su proyecto.
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| ©Costa Manos |
Otro de los recursos fotográficos utilizados es “cortar” la cabeza de las personas, al eliminarlas se borra la identidad de la persona fotografiada y de este modo esa persona podría ser cualquiera, incluso nosotros y de algún modo nos identificamos con el sujeto fotografiado.
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| ©Costa Manos |
En la introducción del libro -y hablando de aspectos técnicos- Costa Manos nos afirma que es un “hombre Leica”, su primera cámara ya lo fue y durante toda su carrera es lo que ha utilizado. Para American Color nos confirma que utilizó una M6 y una Leica MP junto a dos longitudes focales, un 28 y un 35mm, la emulsión… la mítica Kodachrome.
Esto fue así hasta el año 2007 en la que realizó la transición al digital y existen algunas fotos -pocas- en el libro, como la que sigue.
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| ©Costa Manos |
En definitiva este es un trabajo puramente fotográfico, mi duda es al ver estas fotografías si el público al que va destinado es quizás demasiado reducido. ¿Es este un libro de fotografías hecho por un fotógrafo destinado a fotógrafos?
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| ©Costa Manos |
A menudo me pregunto si los fotógrafos no estamos demasiado obsesionados en la búsqueda de la imagen perfecta cuando el “lector” de las mismas quizás no está preparada para leerlas adecuadamente o darles el valor que se merecen.
Podríamos hacer una comparativa con la literatura, no todo el mundo le da el valor que se merece pongamos por ejemplo a “El Quijote“.
En fin, esta quizás es la única duda que me viene a la cabeza al observar un trabajo tan contundente de fotografía de calle.
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| ©Costa Manos |
La serie está formada por 85 imágenes realizadas entre 1960 y 1975, retratando la transformación del rol de la mujer dentro de la sociedad norteamericana.
Trataré de no explicar lo que ya se hace y bien en otros
lugares, aunque si quiero comentar que el grueso del trabajo de Winogrand fue posterior a los trabajos del «New York» de William Klein o de «Los americanos» de Robert Frank.
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| ©Garry Winogrand |
Garry Winogrand fué un «street photographer», compulsivo, obsesivo, tenaz y habilidoso cámara en mano.
«Fotografiar está siempre allí, es una manera de salir de ti mismo»
Con esta reveladora frase nos hablaba de sus crisis personales tras su primer divoricio que le hicieron vivir la fotografía como un proceso liberador. Podía estar sumergido en sus problemas pero el hecho de coger la cámara y salir a sus calles de Manhatan era una forma de liberarse de todo lo que le envolvía y coger aire.
Su forma de trabajar no era diferente a los de los demás «streeters», salía con unas ideas preconcebidas acerca de que era lo que deseaba fotografiar y dejaba que fuese la calle la que le sorprendiera y le diera la respuesta.
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| ©Garry Winogrand |
Algunos iluminados o «profesores de fotografía» hoy desean que esta forma de trabajar desaparezca porque la consideran anacrónica o porque consideran que la única opción válida es el reportaje o porque consideran que no se puede explicar nada a través de este tipo de fotografía, pero su opinión no tienen porqué ser más valiosa que la vuestra si -como es en mi caso- pienso que son ellos los que están equivocados.
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| ©Garry Winogrand |
Volviendo al amigo Garry, era un maestro del 28mm, sus imágenes tienen un gran ángulo de visión lo que invita a que existan muchos elementos y puntos de interés dentro de sus fotografías lo que sugiere al espectador descansar en sus imágenes… reposar en ellas.
Cuanto más tiempo las miras, más cosas ves.
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| ©Garry Winogrand |
La imagen previa simplemente me encanta, no es de sus fotos más conocidas lo reconozco pero me ha impactado. Observadla, volved a mirarla… la mirada furtiva de la chica fijada para siempre en ése instante, siendo besada… una mirada si queréis desafiante… y la de la otra chica observando como un «tipo» hace la «locura» de hacer una fotografía es simplemente mágica. Me transporta a ese momento y a ese lugar, o sea New York (before 1976).
Preguntas, esta fotografía no para de hacernos preguntas…
Pero… ¿que será de sus protagonistas? ¿seguirán vivos? ¿se casaron? ¿duraron mucho tiempo juntos?
Siguiendo con aspectos formales, quizás el mayor problema del gran angular es la distorsión de las lineas que Winogrand minimizaba dando una ligera inclinación a la cámara lo que sin duda aporta un mayor dramatismo a sus imágenes.
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| ©Garry Winogrand |
Esa inclinación se repite en el transcurso de toda su trayectoria como un recurso habitual, como en la imagen previa en la que aparece un vagabundo a punto de recibir limosma de un donante misterioso. Al darle este efectivo desnivel sugiere nuestra incomodidad con quién avanza hacia nosotros pidiendo dinero, como si lo quisiéramos evitar.
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| ©Garry Winogrand |
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No todas las fotografías de Winogrand fueron hechas en New York, pero es que esa ciudad da tanto de sí… Muchas de sus imágenes más reconocidas se situan en esa isla como esta en la que una pareja interracional sostiene a dos chimpancés en el zoo de Central Park. ¿no es suficiente mala leche? Recordad que estamos hablando del año 1964.
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| ©Garry Winogrand |
En fin, podríamos seguir y seguir porqué su trabajo es muy amplio y da para 4 o 5 posts como este… pero prefiero dejarlo aquí con otra de mis favoritas.
Otra foto que al verla de nuevo hace que no deje de interrogarme:
¿que pondrá en ese papel?
¿era de un amante?
¿por qué la chica se abstrae de su baile y le da mayor importancia a esas palabras escritas?
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| ©Garry Winogrand |
En definitiva, para mi las fotos de Winogrand son … preguntas en forma de rectángulo.
Hace ya algún tiempo tengo en mi poder un ejemplar de “
Divided soul” de
David Alan Harvey, un libro que contiene imágenes realizadas en el trasncurso de 30 años y cuyo tema principal gira en torno el mundo hispánico.
Es un gran libro, muy bueno. Pero os voy a transcribir un texto que me llamó poderosamente la atención cuando lo tuve en mis manos por primera vez,
David Alan Harvey nos explica como se las tuvo que apañar para poder realizar esa foto de la que os hablo en el título en el año 1976.
Aquel lugar se encontraba a nueve horas de coche de Madrid y no sabía muy bien a qué atenerme. Una reseña en El País sobre “la rapa das bestas”, un rito con caballos que iba a celebrarse en Galícia, atrajo mi atención. “Machismo” era una de las palabras que garabateé en un papel como algo representativo del carácter español que deseaba plasmar en imágenes. Naturalmente, lo que primero me vino a la mente fue el toreo, pero quería encontrar otros modos de expresión del machismo.
El artículo trataba sobre un acontecimiento anual en el que los hombres debían derribar a los caballos salvajes y raparles las crines. De este modo, evitaban que quedaran atrapados en la maleza y además vendían las crines para fabricar pinceles. Por supuesto, el dinero procedente de la venta iba a parar a la iglésia. Parecía una interesante fusión de historia y cultura y, por otra parte, una excelente manera de plasmar el machismo a través de la acción de un acontecimiento real… Quizás… El artículo era breve y no entraba en detalles. La “rapa das bestas” iba a celebrarse el domingo. Salí de Madrid un viernes por la tarde. Tenía planeado dormir en la furgoneta el viernes por la noche para avistar la silueta pétrea y gris de Sabucedo el sábado por la tarde. Conseguir información fiable siempre ha sido la cruz de mi trabajo. Lograr fotografías convincentes es una labor menos ardua que averiguar lo que va a ocurrir, El qué, el cuándo y el cómo sucederá realmente acaparan toda mi atención. En esta faceta de mi trabajo, soy como un detective que reúne pequeños retales de información y los va recomponiendo para poder estar en el lugar adecuado, en el momento adecuado. (…) Y naturalmente los habitantes del lugar no entienden qué busco ni por qué extraña razón un extranjero loco pertrechado con una cámara hace esas absurdas preguntas.
Alguien me dijo que el rito se celebraba en las laderas cercanas a Sabudeco. Me subí de un salto a la furgoneta y conduje hacia las laderas… Nada. Regresé a la ciudad y volví a preguntar. Sí, llevaban a los caballos a un curro situado justo a la salida de la ciudad… De nuevo en la furgoneta, tomé la otra carretera. Veo a unos hombres correr por una ladera… Salto de la furgoneta y echo a correr hacia ellos. Persiguen y acorralan a las bestias a pie. No paro de correr, entrechocándose las cámaras. Los hombres se aproximan a una manada, rodeándola. Silbidos estridentes, ruido de cascos, polvo espeso. Los conducen al curro. Hombres polvorientos, marcados por la intemperie, que se pasan la petaca unos a otros. Hombres haciendo lo que más les gusta…Trabajando juntos como hermanos… el machismo personificado… los héroes de Sabucedo… las estrellas del espectáculo. No paro de disparar pero me da la impresión de estar perdiéndome imágenes por todos los lados… Cálmate, una cosa detrás de otra… Resulta tan fácil distraerse en la vorágine de los acontecimientos… Céntrate en una cosas… Captura la esencia… Atrápala… Retírate… Entra… Fúndela… Métete… Quédate fuera… Acostúmbrate al ritmo con rapidez… Decide cuándo debes entrar y cuando debes apartarte… Alternar pasividad y agresividad… Debo prever acciones que no he visto jamás. Los hombres derriban a los caballos… Los espectadores manifiestan su aprobación… Han derribado a un caballo, le cortan las crines…Suelen hacer faltan cinco o seis hombres para derribar un caballo. El polvo suspendido en el aire crea una luz suave y mágica. Soy el único fotógrafo presente… No sé si estoy aquí para mis lectores o simplemente porque me gusta la intensidad de la situación. Quién sabe… Probablemente ambos. (…)
David Alan Harvey, 1976
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| ©David Alan Harvey |
El texto continúa pero la esencia ya está capturada, cuando lo leí por primera vez me fascinó lo que este hombre tuvo que llegar a hacer para conseguir una sola buena foto. Porqué esa es la cantidad de imágenes que se incluyen de su estancia en Sabucedo en el mencionado libro
Divided Soul. Desde que leí estas palabras tengo pendiente fotografiar al menos una «
rapa das bestas«… quizás este año… quién sabe…
Por otro lado dejadme ser un pelín crítico con el Sr.Harvey, en algún punto del texto habla del machismo de la sociedad española. No estoy muy seguro que la rapa sea una fiesta machista, ni España una sociedad considerada tal… pero entiendo que cada palabra hay que ponerla en su contexto y quizás en el año 1976 las cosas aún eran diferentes por estas latitudes…
Pero esta pequeña puntualización no empaña un ápice mi admiración por este gran fotógrafo.
Lo que voy a hacer en este artículo algo tiene de inaudito y curioso, casi extraño.
No se me ocurre otra manera de calificar al hecho de escribir sobre algo que aún no existe, o mejor dicho que está en periodo de gestación. Se trata de un libro que no se ha puesto a la venta y quizás posiblemente ni se haya terminado de realizar, lo desconozco.
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| ©Navia |
Apenas se nada más que su título «Cuenca en la mirada» y su autor, José Manuel Navia.
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| ©Navia |
Hace ya algunos meses,
Navia incorporó algunas imágenes del proyecto en su blog que me cautivaron y retuve en la memoria por su simplicidad, efectividad y cierto aire intimista.
Desde entonces no dejo de preguntarme cuando volveré a tener alguna notícia sobre la publicación del mismo.
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| ©Navia |
Cada vez que me acerco a la librería
Altaïr he incorporado una nueva rutina y de forma casi mecánica -e inútil hasta el momento- me acerco al stand donde permanecen los libros de
Cuenca esperando que en alguna ocasión encuentre lo que desde hace ya algún tiempo espero. Un libro que aún no existe y del que apenas conozco más de 6 o 7 prometedoras imágenes.
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| ©Navia |
Me pregunto el porqué de esta fijación y más allá del cariño que le pueda tener al personaje sus imágenes tienen algo de definitivo y es difícil desmenuzar los motivos.
Simples pero contundentes y sin artificios, ¿será por eso?
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| ©Navia |
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Si alguno de vosotros sabe algo respecto al libro ruego que me lo comentéis y quizás en un futuro no muy lejano lo pueda llegar a tener entre mis manos, mientras tanto deberé conformarme con estas fotografías… y a seguir esperando…
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| ©Navia |
Pero no por desconocido, deja de ser un gran fotógrafo.
Lo encontré en una revista de fotografía americana titulada «Black&White; Magazine» dedicada en su totalidad a la fotografía en blanco y negro.
En el ejemplar que llegó a mis manos hay un especial dedicado a su libro de 70 imágenes llamado «Hong Kong Yesterday» cuyo tema principal es la vida cotidiana en la ciudad de Hong Kong entre los años 1953 y 1968.
Fan Ho es un fotógrafo nacido en Shangai en 1931 que residió en Hong Kong lo que le ayudó a documentar la realidad de la ciudad en la que vivió entre los años 1949 y 1996.
Ho es un tipo de fotógrafo de calle que juega básicamente con el aspecto formal de la imagen y cuyo tema es la vida en si misma, la cotidianedad del dia a dia.
La potencia de sus fotos lo dan entre otras cosas una composiciones muy minimalistas, el juego de las formas, el ritmo, las lineas, el componente humano, las luces o las sombras y una inteligencia visual muy desarrollada.
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| ©Fan Ho |
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Siendo un fotógrafo de formas, añade a sus imágenes un barniz muy potente de poesia visual que provoca que sea difícil no emocionarse.
«En mis fotografias no hay puntos medios, me expreso a mi mismo y a mi corazón»
«Para mi, lo que hace que una foto sea buena es algo que se puede sentir, algo que toca tu corazón. Lo que quiero es que la persona que vea mis imágenes sienta lo mismo que yo siento cuando veo mi trabajo»
Una de los aspectos que más me llamó la atención además de su doble condición de cienasta y fotógrafo es que según cuenta él mismo, el 90% de sus fotografías han sido reencuadradas de allí la variedad de formatos.
Al contrario que otros fotógrafos de su época, siente que así tiene un mayor control sobre el resultado final y de este modo puede hacer una segunda reinterpretación de la realidad, lo que provoca que sus fotos sean doblemente subjetivas.
Estoy seguro que otros pensarán que es una forma de hacer trampa y de conseguir lo que no se consiguió en el momento de la toma… en cualquier caso, esto es una elección personal.
En el último encuentro de Calle 35, Rafa Badia me reflexionó sobre el porqué este fotógrafo no había trascendido y subrayó el problema de los fotógrafos «periféricos» que tienen una mayor dificultad para que su trabajo sea conocido.
Estoy convencido que si Fan Ho en vez de ser chino hubiese sido europeo o en especial americano estaría reconocido y su trabajo más difundido.
Seguro que tiene algo que ver que actualmente esté viviendo en Estados Unidos con el hecho de que su trabajo se esté empezando a publicar en una editorial de una galería de arte llamada ModernBook.
Si alguien quiere hacerse con uno de sus dos libros, no tiene más remedio que hacer un pedido on-line.
Así lo tuvo que hacer un amigo mío para poder regalarme con un gesto que no he dejado de agradecer un ejemplar de «Hong Kong Yesterday» firmado por Fan Ho.
