Dan Alexander, coordinador del grupo Streets in Colo(u)r me escribió hará un mes preguntándome si estaba interesado en realizar una entrevista para su grupo. Esta forma parte de una serie de entrevistas que realiza a diversos street photographers que están suscritos a su grupo. Al final del post os colocaré un link con todas las entrevistas realizadas a los diferentes fotógrafos.
Para quién esté interesado en leer mi entrevista y pueda acceder al link original donde está posteada la entrevista os lo coloco aquí.
http://www.flickr.com/groups/streetsincolour/discuss/72157629202023639/
En cambio, para quién no pueda acceder o no tenga ganas os la transcribo aquí mismo.
What do you like the most about street photography?
First of all, I like that when I go out with a camera, I must always be alert. I have to see what speaks to me and respond with my camera. It’s about an attitude amidst the routine.
Another wonderful reason is that when I take pictures, I forget the other aspects of my life. It reminds me of the words of Garry Winogrand when he said that, for him street photography was like a therapy. Regardless of what happens in my life, when I take a camera, I’m in my zone. It’s that place where I can come back again and again and no one can stop or steal this from me; it’s my little refugee. So I really enjoy this aspect of it.
What do you look for in your potential image?
The “documentary” aspect of street photography is not so important for me. I know that there are a lot of street photographers who create wonderful stories on the streets daily. While I respect and admire their work, I try to play another game.
For me the light, composition and the colors are the most important elements. Of course, while I also try that people who appear in my pictures have some interest or for the activity they are doing just in 1/125 s, I’m not particularly interested about their lives. My main goal is to create a visually interesting frame in a 2:3 format.
I remember some words of Constantine Manos in the prologue of the book American Color: “I think that in some photographs, the picture is more important than the subject – the subject of the picture is the photograph”. I really agree with this statement, and it’s a great inspiration to me.
Film or digital?
Digital, for economical reasons and also because I can improve much faster since I can analyze the work quickly.
That being said, when I first discovered street photography about four years ago, film was my choice. I used an old Olympus OM-4, which I believe was the best street camera that I’ve ever had.
When you make pictures in film or slide, you learn the value of a picture. A picture that is unique, magical and irreplaceable. With film, you learn to respect a picture, just because it’s so difficult to take a good one…
What tools do you primarily use?
I used a lot of cameras, I need to change very often and I don’t know why. Perhaps it is because I haven’t yet found a camera like the Olympus OM4 in digital format.
When I travel, I use a Canon 5D with fixed lenses (24mm, 35mm or 50mm). In my city I use a Lumix GH1 with a 28 or a 40mm.
After a big deception with the Fuji X100, I tested the Fuji X10, and I am very happy with this one. In Barcelona, this is my main street camera now because it’s silent, small, discrete and with great image quality.
Wide or long lens?
Wide, of course. 35mm is my favorite lens, but I am now wondering if 28mm is better for me. I really like 28mm because you can insert more elements in the pictures. It is however, more difficult to take a good picture with a 28mm because it’s wider.
I also like 50mm, which I don’t use very often. I like the focal length, but given an option, 35mm is my preference.
Do you get the chance to build a rapport with the subjects?
No, I very rarely talk to the people being photographed.
Have you have ever been harassed by the authorities for photographing in public? If yes, how did you deal with it?
No, not with the authorities. Well, maybe with the guard of a museum, but I try to prevent that kind of situations now and take pictures when the guard is not there.
Have your photography subjects ever objected you from taking their photographs? If yes, how did you respond?
Sometimes people get very suspicious, especially in Barcelona. But not to the point where they stopped me from photographing.
Are you an in-camera cropper or do you prefer to do that in your darkroom or your computer?
I use Lightroom, but rarely crop with the software; I don’t like it.
Black and white or color? And why?
Color. I am more interested in color because I see the world in color. I heard one time that if films were invented in color, they would never have invented the black and white film. I agree. Maybe it’s the emotional part. Colors evoke an emotional response.
I think that sunlight or night-light has more possibilities for color than in black and white. At night, if you take pictures in color it is interesting to play with the shades of different kind of lights.
Do you extensively or minimally work with the post-processing software or in the darkroom?
I try to minimize the time I spend in front of the computer. I like taking pictures, not stay in front of computer post processing.
But it is so necessary that every photographer needs his or her own workflow. In my case, I really like “film-look” or better, the “slide-look” because I feel very closer to “new color”. So I try to transfer this look to my digital pictures.
What is your preferred time to shoot?
Late afternoon and night. But it also depends on the season; now in winter you can take pictures all day. The length of the shadows is important to me; the longest, the better.
Whose or what kind of work inspires you?
There are a lot of photographers I really admire. From the masters, Alex Webb is the best but there are more. Costantine Manos and his American Color 1 and 2 are really impressive.
Spanish photographers are also important for me; people like Jose Manuel Navia, Gonzalo Juanes or Ramon Masats.
I am really lucky to be part of a Spanish collective of street photography named Calle 35, where I have met wonderful photographers who have inspired me. I get to share my work with them and learn a lot every day.
If possible, link us to the first image, image series or a website that inspired you to take photography beyond a passing interest.
I am usually inspired by the images in a book than on a website.
Couple of examples: Alex Webb’s Istanbul and American Color, by Constantine Manos.
Show us some of your favorite images.
Listado de entrevistas: http://www.flickr.com/groups/streetsincolour/discuss/72157626374044975/
En la última ocasión que fui a New York tuve la oportunidad de realizar dos trabajos, uno sobre el metro de la ciudad y otro sobre una de las plazas más famosas del mundo, Times Square.
Antes de partir pude observar el trabajo de Times Square at night que Costa Manos tiene colgado en su web, en su momento me pareció notable. Y actualmente sigue habiendo fotografías que me gustan mucho o muchísimo y otras que no me convencen tanto.
Por ejemplo, estas tres imágenes que siguen me continúan entusiasmando gracias al manejo del color y de sus composiciones.
©Costa Manos
©Costa Manos
©Costa Manos
Modestamente traté de realizar mi Times Square at night en forma de homenaje y también porqué me parecía un lugar muy concurrido e interesante como para encontrar suficientes elementos para realizar un trabajo digno en mi breve estancia. Lo ideal sería vivir allí y poder realizar este trabajo como un proyecto a largo plazo, pero de momento seguiremos soñando. Por tanto el proyecto actualmente está cerrado, al menos hasta la próxima vez que regrese a la isla…si es que regreso algún día…
He revisado y retocado nuevamente el trabajo para darle esta forma definitiva. Lo he subido a una nueva galería de 40 fotografías, espero que os guste.
https://carlosprieto.org/galleries/times-square-at-night-2/
©Carlos Prieto
¡Feliz 2012!
Partiendo de la base que este es un análisis absolutamente subjetivo fruto de mi experiencia personal como fotógrafo de calle, haré un breve análisis de alguna de las cámaras con las que he trabajado. Estoy convencido que no todo el mundo estará de acuerdo conmigo ni tiene porque estarlo ni ser una guía doctrinal para nadie. Simplemente comparto mi experiencia con el uso de esas cámaras desde este foro -adecuado- de Calle 35.
Anotar que al hablar de cada cámara, anexo una fotografía realizada con cada una de ellas.
Parecía que habíamos dado con la cámara perfecta con la llegada de la tan esperada Fuji X-100, estética retro, visor híbrida, pequeña, silenciosa y por todo ello extremadamente discreta.
Pero parece que los ideólogos de Fuji han querido confirmar una vez mas aquella máxima de: “no existe la cámara perfecta”. Efectivamente, la X100 no es una cámara perfecta, de autofoco impreciso, perezoso y dubitativo. Ese es su máximo defecto, amén de sus problemas nocturnos de enfoque.
©Carlos Prieto. Fuji X100
Otro gran problema -absurdo e incoherente- es que si trabajamos en el modo “mixto”, nomenclatura de cosecha propia para describir el usar el sensor ocular para decidir si usar la pantalla de la cámara o el visor en función de acercarte la cámara a la cara o no. La cámara se vuelve prácticamente inservible, su rendimiento cae en picado, con un retardo en el disparador ridículo. La única forma de corregirlo es volviendo a utilizar sólo el visor desactivando la pantalla, y si es en modo óptico mejor.
Para mi es una buena cámara -excelente óptica y una gestión del color fantástica- pero con lagunas demasiado importantes hacen que lo que tenía que ser la cámara ideal se convierta en una cámara más. Otra cámara que he utilizado bastante es la Lumix GH-1, no es el último modelo de la gama de Panasonic pero señores uno no puede ir comprándose cámaras cada 8 meses.
©Carlos Prieto. Lumix GH1+14mm
El principal obstáculo que me encontré con esta cámara fue el visor electrónico, pero una vez que te acostumbras casi lo prefieres porqué te da total control de la escena, dicho de otro modo te “previsualiza” como va a quedar la imagen en su forma definitiva por el visor a tiempo real. Yo me he acostumbrado y lo cierto es que ya no lo veo como un defecto. El AF -a diferencia de la X100- es rápido, preciso y certero. Una excelente cámara con un sensor de extraordinario rendimiento hasta 800 ISO y aceptable a 1600.
El único pero -para cumplir la máxima- es que al disparar el obturador hace ruido, no mucho pero claro incomparable con la ausencia total del mismo de la X100.
Podemos seguir con la gama M de Leica, como usuario he utilizado la M8 y tiene diversas ventajas pero también defectos. Te permite trabajar utilizando la hiperfocal, por lo que te puedes permitir preocuparte solo del encuadre. La desventaja – y grande – es que de noche pierdes esta capacidad, y teniendo que utilizar el enfoque telemétrico para escenas improvisadas., sencillamente es inoperante. El otro gran defecto es que a partir de 640 ISO el ruido provoca que los archivos no se puedan utilizar.
©Carlos Prieto. Leica M8+28mm
Anotar que llevar una Leica en la mano es una experiencia bonita, pero no por ello tus fotos son mejores.
Otra opción, la única que había hasta hace apenas un par de años es la de llevar una réflex (Canon 5D en mi caso) con un objetivo fijo para minimizar el volumen que te da la asociación “cámara-lente”. El AF es el más rápido y preciso y por supuesto también puedes trabajar con hiperfocal.
©Carlos Prieto. Canon 5D+50mm
El “pero” te lo da el sonido del obturador, el tamaño de la cámara y el peso de la misma. No es una opción si quieres llevar la cámara encima siempre -por si acaso- pero si sales a fotografiar y sabes convivir con esos elementos los resultados pueden ser muy buenos. De hecho creo que mis mejores fotos las he hecho con esta asociación, aunque de eso uno nunca está seguro del todo.
Por último, vamos a adentrarnos un poco con las modas que igual que surgen desaparecen, hablamos del conocido programa Instagram, aplicativo del iphone para editar las imágenes que toma la misma cámara del teléfono al estilo analógico. Colores saturados más negros y blancos llevados al extremo. La ventaja de hacer fotografía con un teléfono es obvio, la desventaja es que dan archivos de baja calidad para la impresión.
©Carlos Prieto. iphone 4+instagram
En definitiva, cada cámara te da un tipo determinado de fotografías. No puedes pretender hacer fotografía espontánea con la X100 pero si con el resto, por ejemplo. En cambio si quieres fotografiar a menos de un metro sin que el fotografiado se entere, utiliza la x100, con la Lumix es más difícil aunque también se puede si juegas bien tus cartas.
Una ultima reflexión, obvia si queréis pero adecuada. No es la cámara la que te “hace” mejores las fotografías, yo mismo he hecho buenas pero también malas fotografías con todas esas cámaras. Más importante que la cámara es la mirada del fotógrafo.
Es imprescindible saber lo que quieres y buscarlo jugando tus cartas, determinadas cámaras ayudan pero no son decisorias.
Espero que os sirva mi experiencia y que compartáis vuestra experiencia con el resto.
En algunas ocasiones uno hace ciertas cosas sin saber muy bien el porqué, en otras uno se da cuenta pasado un tiempo y después ya lo hace conscientemente. Y otras veces, uno no se da cuenta de nada.
No me he vuelto loco -al menos no soy consciente de ello- pero simplemente estoy tratando de dar una pequeña pincelada, encontrar trazos que sirvan al fotógrafo -en este caso a mi y quizás a otros como yo- a saber porqué hace las cosas.
©Ilker Gurer
Cuando conseguí comprar el libro “American Color 1″ hace 2 semanas, con toda la suerte de este mundo y quizás un poquito del otro, leí en el prólogo una frase que me hizo reflexionar profundamente, funciona casi como una declaración de principios del mismo autor, Costa Manos. Indica lo siguiente:
I think that in some photographs the picture is more important than the subject – the subject of the picture is the photograph
Constantine Manos
©Costa Manos
Eso que puede parecer tan obvio, no lo es en absoluto. No es una declaración de principios que funcione para todos los fotógrafos, aunque si para unos cuantos. Así a bote pronto se me ocurren los siguiente fotógrafos que creo que avalan esta afirmación con sus imágenes. El mismo Manos, Alex Webb, Cartier Bresson, Saul Leiter, Ernst Haas, William Eggleston, Harry Gruyaert, Cristóbal Hara o mis compañeros de Calle 35, Dimitri Mellos, Rafa Badia o el mismo Martín Molinero… entre otros muchos… (Dejadme que barra un poco para casa)…
©Gustavo Minas
Por supuesto no todos los fotógrafos pueden hacerlo, es más todos aquellos fotoreporteros que nos quieran explicar una historia con sus fotografías dudo que lo hagan. No creo que -por ejemplo- Emilio Morenatti la suscriba, aún siendo un buen fotógrafo. Pero su lucha es otra, para él -como para tantos otros- lo importante no es tanto la imagen como lo que explica en la imagen. Lícito, claro.
©Martín Molinero
Dicho de otro modo, y en esto nos adentramos casi en algunos de los principios de determinado tipo de imágenes de street photography, la realidad es una excusa para fotografiar. No es que no nos interese la realidad, pero la utilizamos casi como una trampilla que se abre para obtener aquello que nos interesa, aquello que está escondido y que debe ser encontrado. No es fotografía abstracta, pues se nutre de lo que ocurre en las calles.
©Joan Pujol Creus
Fabulosa reflexión que se que levantaría ampollas en determinados círculos fotográficos, ya que ahora no interesa porqué no está de moda. Ahora la moda es otra, me parece muy bien pero no me interesa. Por tanto, la obvio.
©Alex Webb
Me interesan conceptos fotográficos, me interesa la construcción de la imagen, su luz, su composición, el posicionamiento de los elementos. Saber o intentar encontrar la respuesta a porqué funcionan unas fotografías y otras no.
©Dimitri Mellos
El otro día -en interesante conversación con mi nuevo compañero de Calle 35, Martín Molinero- hablamos largo y tendido, interesante conversación si señor, y en comunión absoluta y casi en broma cervezas en mano, comentábamos que a menudo al fotografiar, para nosotros no es tan importante que este o aquel señor sea el sujeto de la imagen. Nos interesa que haya un señor… punto… y si tiene una chaqueta roja o amarilla o azul… mejor… pero no nos interesa el señor como sujeto en si.
©Carlos Prieto
Comentaros que los autores de las imágenes de esta entrada del blog, algunos son fotógrafos que he ido descubriendo en estos últimos tiempos… otros no, pero que todos tienen en común fotografías que me han entusiasmado. A excepción de la última, que ya puestos y como este es mi blog, allí la dejo… 
Desde hace aproximadamente un mes, estoy subiendo una fotografía cada día laborable en mi página personal que he adaptado como fotoblog, para así potenciar su uso y que la gente que esté algo interesada en lo que hago pueda ver las imágenes casi como anotaciones cotidianas que voy apuntando en mi diario personal, algunas casi en forma de bocetos.
Pero no lo hago solo por eso, lo cierto es que también lo hago casi como una obligación para de algún modo ayudarme a ordenar mi archivo fotográfico. Gracias a vuestros comentarios y a la perspectiva que da el tiempo consigo valorar en su justa medida cada fotografía, es un proceso de maduración lento. Cuando uno toma una imagen hasta pasado un tiempo no la valora de forma totalmente objetiva ya que -no se si os pasa a vosotros colegas fotógrafos- pero en algunas ocasiones nos traiciona el subconsciente y sobrevaloramos en exceso imágenes recientes.
El fotoblog en cuestión lo encontraréis en https://carlosprieto.org/
Las fotografías del mes de septiembre las encontraréis en forma de galería en: https://carlosprieto.org/photoblog/septiembre-2011/
Paralelamente he ido subiendo estas mismas fotografías en la red de flickr en una única carpeta denominada “A place in the world” y lo cierto es que el nivel de actividad, tanto de comentarios como de visionado ha sido más elevado en flickr, descubriendo fotógrafos que me han encantado. En cualquier caso, todo me está sirviendo.
Las fotografías más valoradas por vosotros son las siguientes; aunque quizás discrepe en alguna… ¿como lo veis vosotros?
Multitud de noticias han aparecido estos días alrededor de la catástrofe de hace 10 años con el aniversario del atentado sobre las torres gemelas.
No es que vaya a pecar de proamericanismo ni de antiamericanismo, se que no fué peor lo que ocurrió en New York ese mismo día que lo que los americanos han estado haciendo alrededor del mundo durante muchos años, poquito a poquito… como una gota malaya… pero sin lugar a dudas si que fue más vistoso, más espectacular.
La reflexión no es esa, la reflexión que os quiero lanzar es una frase que leí del amigo James Natchwey que me llamó poderosamente la atención en una entrevista.
“I understood instantly that I had about five seconds to live, and that my chances of surviving this were very slim. It was actually a very beautiful sight, with the smoke and the metal and the paper against the blue sky. It was visually stunning, one of the most beautiful things I’ve ever seen. But it was going to kill me, and there was no time to take a picture.”
Lo que me llamó la atención es el siguiente extracto:
“It was visually stunning, one of the most beautiful things I’ve ever seen”
La pregunta que me hago es: ¿es ético que un fotógrafo pueda disfrutar, aunque sea un segundo o medio segundo por las oportunidades que le dan los acontecimientos -tan dramáticos en este caso- por qué le dan la oportunidad de obtener buenas fotografías?
Es evidente que todas las imágenes que incluyo en esta entrada son buenas. incluso diría que muy buenas… espectaculares algunas…
Pero ¿es lícito que las observemos? ¿que nos recreemos en ellas? ¿es morbo? ¿curiosidad? ¿qué nos atrae?
A mi como fotógrafo lo tengo claro… ¿acaso hubiésemos deseado estar en New York ese día para documentar lo que allí ocurrió?
Me pregunto si ellos -que estaban allí- estaban disfrutando al tomar esas imágenes, ¿tenían más miedo, temor por las victimas o por el contrario estaban excitados por las tomas realizadas?
Parto de la base que nadie sabía muy bien a ciencia cierta que es lo que estaba ocurriendo, ni la verdadera escala de los acontecimientos y seguro que muchos de ellos no salían de su asombro por todo lo que estaba ocurriendo, pero es inevitable que me haga estas preguntas.
En cualquier caso, os adjunto estas imágenes que sin duda nos acercan a todo lo que ocurrió ese día en la ciudad de los rascacielos que me han llamado poderosamente la atención por su alto contenido visual, no sin dejar todas esas preguntas al aire esperando que alguno de vosotros me conteste.
¿otra entrada hablando de las múltiples exposiciones del Visa?
Pues no, otros compañeros ya lo han hecho y muy bien.
Este post será un paseo por las fotografías que tomé en Perpignan (Fuji X100 en mano) acompañado de Jordi Beltri, Rafa Pérez y Julio Parralo (todo muy Calle 35) el pasado lunes y de como el streeter tiene que seleccionar y descartar las fotos tomadas en cada salida y marcarse unos criterios estrictos para evitar caer en la “masificación digital” de la que cada vez es más difícil zafarse.
De las ciento y pico fotografías tomadas en Perpignan, me gustan 9 y no estoy convencido del valor de todas ellas. Colocaría varios escalones.
El primero formado por estas 3 imágenes que tienen un compacto discurso formal, son las que más me agradan.
En el segundo peldaño, colocaría esta fotografía que… ¿formalmente quizás podría participar del primer trío de imágenes?
Más allá colocaría estas dos fotografías, de un estilo más street si cabe. Menos sugestivas, pero he de reconocer que la dualidad de las gafas de sol tira mucho…
Y finalmente colocaría el resto de imágenes de las cuales cada vez dudo más, tanto desde un punto de vista compositivo como de interés intrínseco. ¿como lo véis vosotros?
Comparte la fotografía:
Acabo de empezar a leer este libro de 497 páginas ya que José Manuel Navia nos lo recomendó encarecidamente en el taller que realizaron “Els Amics de la fotografía” de Torroella de Montgrí hace ahora ya algo más de dos años y era algo que tenía pendiente desde entonces.
Se trata de un clásico larvado en el verano de 1936 gracias a una colaboración de un escritor, James Agee y de un fotógrafo, Walker Evans. El libro concentra las experiencias de ambos en su convivencia con 3 familias arrendatarias del sur de Estados Unidos durante la Gran Depresión, viviendo en la más absoluta de las pobrezas.
No voy a hacer un análisis del libro, pues aún no lo he leído. Lo he empezado, pero soy un enfermo de las citas y cuando algo lo considero notable lo remarco.
Considero adecuado la siguiente cita:
Porque en el mundo inmediato todo puede ser discernido por quien sea capaz de discernirlo, y central y sencillamente, sin disecciones científicas ni digestiones artísticas, sino intentando, con la totalidad de la consciencia, percibirlo tal como es: de modo que el aspecto de una calle soleada pueda gritar en su propio corazón como una sinfonía, quizá como ninguna sinfonía sabría hacerlo: y la conciencia entera se traslada de lo imaginado, lo revisable, al esfuerzo de percibir simplemente el cruel esplendor de lo que es.
Por eso la cámara me parece, después de la conciencia sin ayuda y sin armas, el instrumento central de nuestro tiempo; y por eso también siento cólera ante su mal uso (…) sólo conozco a menos de doce personas vivas en cuyos ojos pueda confiar incluso tanto como en los míos.
En este fragmento se habla de una manera directa del poder de la fotografía como un instrumento para mostrar la realidad tal cual es, o no…. si ésta se utiliza perniciosamente…
Sin lugar a dudas es una interesante reflexión, en la que nos confirma la subjetividad extrema en la que sobrevive la fotografía. La fotografía dificilmente pueden ser objetiva, aunque algunas personas -erradas ellas- aún piensen que pueda serlo.
Imágenes aparentemente objetivas -como las de Walker Evans- nos engañan y nos muestran una cruda realidad con un falsa objetividad, distante, suave y a veces cruel, en las que Evans parece que no se implique en la toma de las fotografías pero que consiguen que éstas te queden grabadas en la mente y uno las recuerde casi sin querer.
Siempre es una satisfacción publicar imágenes, pero esta alegría aumenta si es en una buena revista. Y en este caso Altaïr sin duda lo es.
En el actual número destinado a Turquía, la revista ha decidido contar con mi colaboración en la publicación de una fotografía realizada el verano pasado en una de las calles perpendiculares a la popular Avenida Istiklal Caddesi ubicada en la zona más moderna de la ciudad donde por las noches los jovenes más “occidentalizados” de Estambul se divierten bailando y bebiendo cerveza mientras “socializan”.
Especial ilusión me ha hecho recibir la revista mediante correo postal, un detalle que no todas las revistas realizan hoy en día. Muchas gracias.
©Carlos Prieto
Ayer tuve la oportunidad de hojear un libro que me llamó poderosamente la atención se trata de “Ante el silecio” de
Christophe Agou.
Mis reticencias llegaban porqué se trata de un libro premiado, con el lema: “European Publishers Award for Photography 2010″.
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| ©Christophe Agou |
No digo que no sea justo vencedor, no conozco el resto de trabajos pero todo lo que huele a premios me provoca reticencia.
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| ©Christophe Agou |
De todos modos tengo que reconocer que me rendí al trabajo de este fotógrafo francés, del que solo sabía que pertenece al celebrado colectivo
In-public.
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| ©Christophe Agou |
Mejor dejaré que sea él mismo quién explique de que va el libro y cuales eran sus motivaciones a la hora de realizarlo, tan solo suscribir el poderoso sentimiento que provocan observar sus imágenes al ávido lector de experiencias y anotar que al “leer” el libro me vino a la mente el trabajo que Walker Evans realizó junto a James Agee para documentar la pobreza extrema durante la depresión estadoudinense de principios de los años 30.
El tiempo pasa pero hay cosas que no cambian.
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| ©Christophe Agou |
“En el invierno de 2002, comenzé a documentar la vida y las emociones de los agricultores que viven en la región de Forez, uno de los secretos mejor guardados de Francia. Siempre he tenido un profundo afecto por esta tierra en la que nací y viví hasta los 16 años – una región donde la agricultura y la ganadería han forjado la identidad cultural de los pueblos y se alimenta la imaginación de más de un siglo.
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| ©Christophe Agou |
En los últimos 6 años, viajé a las partes menos conocidas de este vasto dominio en el que me sentí inspirado por el silencio que he encontrado y trasladado por los hechos y el carisma de la gente que me encontré. Cuanto más veía, más me quería meter de lleno en sus vida y revelar los sentimientos ocultos de su naturaleza. Con el tiempo y a través de un proceso gradual de crear confianza, aceptaron mi ojo curioso y me permitieron fotografiar su diaria existencia.
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| ©Christophe Agou |
Mi esperanza es presentar una visión personal y poética de la vida llena de gran fuerza, la sabiduría, la nostalgia y el amor. Quiero ir más allá de documentar la autenticidad de su existencia y la vida de mucha mano de obra, para presentar un retrato más profundo y más íntimo. Me encanta esta gente por lo que son y no por lo que dicen. Este proyecto es para mí una meditación sobre la vida y la muerte, el silencio y la soledad que parecen cada vez más presente en nuestras vidas.”
(Christophe Agou)
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| ©Christophe Agou |
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| ©Christophe Agou |
